Разговоры, обсуждения и споры по поводу соотношения моды и искусства ведутся очень давно. По сути – с момента появления современной моды как таковой. Если временем ее рождения считать освобождение женщин от корсета и прочих викторианских излишеств, то родоначальником модерного дизайна одежды стоит считать Поля Пуаре. Именно он сделал первое платье, не предполагавшее ношения корсета, и именно он в конце карьеры стал называть себя «le artiste», то есть художником, деятелем искусства. Впоследствии по этому поводу высказывались очень многие люди, имеющие непосредственное отношение к индустрии, и у всех были свои, очень редко совпадающие, взгляды. Так или иначе, мода и искусство сплетены между собой множеством нитей, и со временем их связь только укрепляется.

Среди ярких свидетельств этого факта – сотрудничество представителей обоих миров. Начало ему было положено еще Эльзой Скьяпарелли, которая, кстати, в автобиографии писала, что считает создание одежды «не профессией, а искусством». Совместно с Сальвадором Дали она работала над дизайном целого ряда вещей, самыми известными из которых стали платье с лобстером и шляпка-туфля, увидевшие свет в 1937 году.

Еще одним периодом, когда взаимосвязь моды и искусства стала особенно заметной, были 60-е. Обе индустрии в то время стали двигаться в сторону демократизации и на этой почве пересекаться. В 1965 году увидели свет знаменитые платья Yves Saint Laurent, вдохновленные картинами Мондриана, а коллекция бренда, вышедшая годом позже, была полностью посвящена поп-арту.

Paul Poiret Fitting Woman in Dress

77356-3

img_6139-copy

В начале 70-х, после увольнения из Vogue, легенда глянцевой журналистики Диана Вриланд стала консультантом Института костюма нью-йоркского Метрополитен-музея. Она организовывала выставки, посвященные актуальной моде того времени, например, одежде Balenciaga и голливудскому гламуру. Эта практика стала постоянной и никуда не исчезла со временем – впоследствии в Институте костюма выставлялись вещи Comme des Garçons, Vivienne Westwood, Alexander McQueen и многих других брендов. Так мода проникла в музей – место, имеющее сакральное значение для искусства.

diana-vreeland-fashion-arbiter-and-legendary-fashion-editor-of-harpers-bazaar-magazine-and-editor-in-chief-of-vogue-magazine-curating-the-world-of-balenciaga-nyc-1973-harry-benson1

-savage-beauty-219613_w1000

Все это вместе создало благодатную почву для расцвета сотрудничества художников и модных брендов, начиная с середины 90-х. Деятели искусства принимали участие в создании одежды, оформлении показов и магазинов, на всех крупных выставках можно было регулярно видеть дизайнеров и стилистов. Популярный в арт-среде архитектор Ричард Глюкман полностью переделал нью-йоркский магазин Yves Saint Laurent; флагманский бутик Prada, оформленный Ремом Колхасом, занял здание музея Гуггенхайма в Сохо; Иссэй Миякэ стал привлекать художников для работы над принтами коллекций Pleats Please и т.д. В последнее время эта тенденция только усиливается, достаточно вспомнить показ коллекции Chanel весна-лето 2014, все коллаборации Louis Vuitton времен Марка Джейкобса, сотрудничество Рафа Симонса и Стерлинга Руби или проект Prada “In The Heart of the Multitude”. Связь крепнет и расцветает. Чем же совместная работа привлекает представителей обеих индустрий?

prada

c057edddbfa379795c27b08c974d5ec2

ithotm

Очевидно, что для деятелей искусства это неплохой способ расширить аудиторию и сделать более известным собственное имя. Эту сторону вопроса можно было бы исследовать глубже, но нас сейчас интересует другой аспект – чем такие коллаборации привлекают модных дизайнеров?

Начнем с очевидного – мода живет новизной. Еще Оскар Уайльд когда-то с иронией писал: «Мода – это нечто настолько уродливое, что его приходится менять каждые полгода». Она требует нового постоянно и со все возрастающей силой. Отсюда, по сути, и берутся пре-коллекции, по несколько недель моды в почти каждой стране и тренды, рождающиеся теперь в недрах Tumblr и Instagram, а не на подиумах. Это вполне понятное явление – любая индустрия нуждается в росте прибыли и повышении оборотов, да и само наше время подталкивает к ускорению. Но именно это стремление к новизне обусловило общепринятое отношение к моде как к чему-то несерьезному и эфемерному. Именно оно приводит к тому, что Джон Гальяно объясняет скандальный инцидент в парижском кафе необходимостью делать 32 коллекции в год, Кристоф Декарнен попадает в психиатрическую больницу с нервным срывом и депрессией, а Александр МакКуин, не выдержав давления, совершает суицид. И эти недостатки, в общем-то, тоже все осознают. Здесь, кроме очевидной этической стороны вопроса, существует и сугубо прагматичный момент – такое положение дел наносит ущерб репутации всей индустрии, что плохо сказывается на продажах.

John-Galliano-2

Balmain

mcq

И тут стоит вспомнить об искусстве. Статус «вечного» был закреплен за ним еще в латинской пословице (которая, на самом деле, цитата из грека Гиппократа, но не это сейчас важно). Созданное художником автоматически воспринимается как нечто, предназначенное для жизни вне времени: картины вешают в музеях и передают по наследству. А платья преимущественно носят на улицах и не передают никому. Получается, что сотрудничество модного бренда с деятелем искусства моментально придает конечному продукту новое качество – в какой-то, пусть очень маленькой, степени этот продукт становится артефактом. Вещь, к созданию которой приложена рука художника, конечно, не делается объектом, достойным коллекционирования, но часто перестает быть развлечением на один-два сезона. Она обретает более широкий контекст. Первое, что приходит в голову при упоминании имени Эльзы Скьяпарелли – именно платье с лобстером, главная ассоциация с творчеством Сен Лорана – платье из разноцветных прямоугольников, притом, что оба создали немало важнейших для истории моды знаковых коллекций, оба значительно обогатили ее своими идеями. Но в популярной культуре остались именно вещи, связанные с искусством. Аксессуары, над которыми в сотрудничестве с Louis Vuitton работала Яёи Кусама, до сих пор продаются на eBay по ценам, не уступающим стоимости вещей из новых коллекций. Блузы Pleats Please, к созданию которых приложил руку Ясумаса Моримура, оцениваются четырехзначными суммами. И в значительной степени все это можно объяснить именно прикосновением художника – символическим «знаком качества», лицензией на долгую, по меркам индустрии, жизнь.

03_schiaparelli_dali_womans_dinner_dress_1937

YSL-Mondrian

96606a7fa2a72ac4a32041e0f94ca270

6a0105362716cd970c0163060688a9970d-550wi

Связи между модой и искусством проявляются не только в такой, самой очевидной, форме. Их можно проследить и на более глубоком, менее заметном, а потому интересном уровне. Речь идет не об использовании самих работ художников, а о заимствовании принципов творчества и подхода к созданию коллекций. Но об этом мы поговорим в следующий раз.

Автор статьи: Yarik Somewho

Хочешь стать частью проекта? Напиши нам

Комментарии